THESES ON HOPE #16
Mark Barker: Are you more

mit
Ramsay Dyke McClure
Keith Vaughan

12. September - 17. November 2024
Eröffnung am Mittwoch, 11. September, 18–21 Uhr

„Zu leben heißt Spuren zu hinterlassen.”
Walter Benjamin, Reflections

Between Bridges freut sich, die erste Überblicksausstellung des in Berlin lebenden britischen Künstlers Mark Barker zu präsentieren. Die Ausstellung zeigt Barkers facettenreiches Werk: Papierarbeiten, Skulpturen und Fotografien aus den letzten zehn Jahren werden mit neu entstandenen Arbeiten und ortsspezifischen Installationen kombiniert, die sich auf unterschiedliche räumliche Situationen beziehen. Barkers Oeuvre beschäftigt sich mit Körpern, wie sie sich bewegen und wie Dinge in sie und aus ihnen heraus gelangen. Für Are you more verwebt Barker eine Vielzahl von affektiven und konzeptuellen Ansätzen als Teil seiner persönlichen Erforschung des Menschseins, das hier als ein immerwährendes Aushandeln zwischen Ordnung und Unordnung, Eindämmung und Ausbruch verstanden wird.

Barkers künstlerische Sprache ist in einem Archiv und Vokabular von Materialien und Gesten verwurzelt, die historisch als „unbedeutend“, vernachlässigt oder abstoßend galten. Indem sie die Zerbrechlichkeit und den Verfall des Belebten und Unbelebten - in Form von Undichtigkeiten, Verschüttungen, Flecken, Rissen, Verschmutzungen, körperlichen Abfällen und Flüssigkeiten - aufgreift, schlägt Barker eine Sicht auf die Umwelt vor, die den Körper als durchlässig und chaotisch und damit potenziell grenzenlos begreift. Diese Spuren und Rückstände, ob sichtbar oder unsichtbar, bieten eine Fülle von Ressourcen, die angeeignet werden können, um die Wahrnehmung des Alltäglichen, seiner öffentlichen Räume, seiner privaten Zufluchtsorte und letztlich der Ideologien, die unsere Umwelt formen, zu verändern. Um die Unterscheidung zwischen Organischem und Anorganischem weiter zu verwischen und im Zusammenhang mit seiner Betonung der ausfließenden Beschaffenheit des Körpers, verwirft Barker die Vorstellung, dass Gebäude geschlossene Einheiten sind. Stattdessen begreift er Architektur als ein fluides, manchmal verworrenes System von Repräsentationen, nicht unähnlich der Skulptur, der Fotografie oder der Zeichnung. Er erforscht, wie der Körper - sozial, diskursiv, sexuell - im Raum produziert wird und wie sich der Körper wiederum in seine Umgebung einschreiben kann - und die Spuren, die solche wechselseitigen Transformationen sowohl im Körper als auch in der Architektur hinterlassen.

Konsequenterweise nähert sich Barker auch der Architektur von Between Bridges als einer undichten, atmenden Struktur, indem sie bestehende Perforationen in der inneren Struktur des Gebäudes verschließt und neue einfügt. Durch die genaue Beobachtung der materiellen und sozialen Struktur des Ausstellungsortes und die präzise Organisation und Verteilung von Materialien, Objekten und Körpern nimmt Barker sowohl subtile als auch substanzielle Eingriffe in die Infrastruktur vor, indem er ganze Räume schließt und andere schafft. Auf diese Weise verändert er sowohl die physische Durchquerung als auch die Wahrnehmung des Raums. Es entstehen vier verschiedene Bereiche mit unterschiedlichen Kompositions- und Darstellungsweisen, architektonischen und symbolischen Funktionen, Temperaturen und affektiven Intensitätsgraden.

Beim Betreten der Ausstellung hat Barker eine Schwelle geschaffen, einen Vorraum im räumlichen Sinne (und einen Auftakt im narrativen Sinne), der vom Handwerk als Methode der Heim- und Welt-Schaffung erzählt. In der gleichnamigen Installation Are you more (2024) sind Häuser, Wespen, Ohren, Blumen und Larven – die alle zum Teil aus Brot von Barker hergestellt wurden – auf einer Schutzfolie positioniert, die in häuslichen Umgebungen verwendet wird, um Möbel vor Kratzern und Flecken zu schützen und zu erhalten. Entlang der Länge der beiden Fensterbänke und in proto-taxonomischer Reihenfolge angeordnet, führt diese Arbeit in die Themenfelder der Häuslichkeit und Innenräume der Arbeiterklasse etwa durch Sammeltätigkeit sowie in die Verräumlichung und Verdinglichung der Zeitlichkeit ein.

Ihr gegenüber hat Barker auf einer großen Wand eine Fotografie des britischen Künstlers Keith Vaughan (1912-1977) platziert, ein Handabzug des Künstlers, der posthum auf die 1930er Jahre datiert wurde. Vaughan gehörte zunächst dem Kreis der Neoromantiker an, bevor er sich der malerischen Abstraktion und Studien der männlich konnotierten Figur zuwandte, sowie der Grafik und Druckgrafik, der Fotografie und dem Schreiben von Tagebüchern, die er sein ganzes Leben lang führte und in denen er jeden Aspekt seines Lebens dokumentierte – und die von ihm in einer Zeit der umfassenden Kriminalisierung der Homosexualität veröffentlicht wurden. Das Bild eines auf einer Holzplatte platzierten Metallhakens nimmt in Vaughans Werk einen besonderen Platz ein: Es diente als Grundlage für die grafische Gestaltung eines Werbeplakats, das er später mit großer Sorgfalt archivierte. Vaughan, der für seinen unverwechselbaren Stil bekannt war, führte ein weitgehend privates Leben, bis er 1964 in einer abgelegenen ländlichen Gegend von Essex eine Reihe verfallener Künstlerhäuser namens Harrow Hill erwarb. Zusammen mit seinem Partner, dem Künstler und Tischlermeister Ramsay Dyke McClure (1924-1981), restaurierte das Paar die Cottages mit viel Einfühlungsvermögen, und obwohl ihre Beziehung als konfliktreich beschrieben wird, bot Harrow Hill ihnen einen ruhigen, privaten und sicheren Rückzugsort, an dem sie zusammen leben konnten, bis Homosexualität in Großbritannien 1967 teilweise entkriminalisiert wurde.

Während Vaughan, der in der Kunstwelt aus der Mode gekommen war, in den letzten Jahren in Großbritannien mehr Anerkennung für seine unverwechselbare Stimme erhalten hat, wird McClure nach wie vor übersehen. Als Teil seiner Hommage an das Paar zeigt Barker auch Pink Abstract (1962), eine Collage von McClure, die seiner Lebensgefährtin bis zu Vaughans Selbstmord 1977 ein Gefühl häuslicher Stabilität vermittelte. Die Collage hing während der gesamten Zeit, die das Paar dort verbrachte, in Harrow Hill. Barkers jahrzehntelange Faszination für das Paar und Harrow Hill klingt in dieser Präsentation des Künstlerpaares für ein Publikum außerhalb des Vereinigten Königreichs an und bringt eine besondere Geschichte der Intimität zum Ausdruck. Sie erzählt von Einsamkeit angesichts des Gesetzes, von Zärtlichkeit und Fürsorge im Kontext der Häuslichkeit, von Konflikten angesichts ihrer Wünsche und davon, wie die beiden Männer als Subjekte einer restriktiven normativen Ideologie geformt und geprägt wurden.

Im Hauptbereich im Erdgeschoss sind Werke präsentiert, die mehrere wichtige Aspekte von Barkers sorgfältiger und einfühlsamer Auseinandersetzung mit den Erfahrungen, allein in einem Körper zu leben, mit seinen Funktionsweisen und seinen Grenzen aufzeigen. Barker legt die Funktionen des Körpers offen, anstatt sie zu verbergen, und beschäftigt sich mit seinen vielfältigen Ein- und Ausgängen - Augen, Mund, Haut, Genitalien und Anus. Mit häufigen, sowohl zärtlichen als auch schelmischen Verweisen auf die ästhetischen Strategien der modernistischen, minimalistischen und konzeptuellen Kunst bricht Barker diese Traditionen durch ein Register von (negativen) Affekten, zu denen Schuldgefühle, Nervosität oder Angst ebenso gehören wie verschiedene Formen des Begehrens.

Zwei an der Wand montierte Skulpturen aus „Nut und Feder“ bilden die Abmessungen der mobilen Toiletteneinheiten DIXI B by DIXI und TOI WATER by TOI TOI nach. „Nut und Feder“ ist eine beliebte Technik, mit der einzelne Holzteile miteinander verbunden werden. Die schützende, hautähnliche Oberfläche wird gemeinhin mit der Inneneinrichtung und Ästhetik der Arbeiterklasse assoziiert und wurde auch von Vaughan und McClure für die Inneneinrichtung des Harrow Hill Cottage verwendet. DIXI wurde 1973 in Essen gegründet und war das erste Unternehmen in Europa, das mobile Sanitärsysteme herstellte. Die Geschichte des Unternehmens zeugt von seiner weltweiten Popularität, da es bereits 1980 während des Besuchs von Papst Johannes Paul II. in Deutschland eingesetzt wurde. Zehn Jahre nach DIXI wurde 1983 in Wiesbaden die Firma TOI TOI Sanitärsysteme gegründet, die sich schnell zum einzigen ernsthaften Konkurrenten von DIXI entwickelte. 1997 fusionierten die beiden Unternehmen und wurden zum Weltmarktführer. Nach den exakten Maßen der populärsten DIXI- und TOI TOI-Toiletten gefertigt, sind Dixi (2024) and Toi (2024) horizontal dicht nebeneinander montiert. Barker hat die Skulpturen mit einem Abstand von menschlicher Größe gepaart. Toiletten dieser Art nehmen im öffentlichen Raum eine besondere Stellung ein: Basierend auf einem kulturellen Vertrag, der fest umrissene Bereiche für die körperlichen Bedürfnisse vorsieht, ist der Ort der Urin- und Stuhlentleerung ein räumliches Arrangement für Körper, das als Behälter und Behältnis zugleich konzipiert ist. Im Gegensatz zu jenen, die den „Gesetzen der Urinsegregation“ folgen, wie Lacan schrieb, sind diese öffentlichen Toiletten nicht per se geschlechtsspezifisch: Sie sind zugängliche und „demokratische“ Orte des Urinierens, Defäkierens und Waschens, die ansonsten potenziell unverbundene Körper miteinander verbinden - und doch bleiben sie aus der Perspektive eines schwulen Mannes inhärent erotisiert, da sie entweder offen oder subtil an der Konstitution des Begehrens beteiligt sind. In Form und Gestalt eng mit den architektonischen Typologien des Wandschranks, der Beichtkabine und des Glory Hole verwandt, hat Barker in jede Skulptur eine Raute an der exakten Position der ursprünglichen Lüftungsschlitze der Toilette geschnitten, so dass der Betrachter, wenn er möchte, einen Blick hinein werfen kann.

In der gesamten Ausstellung sind Darstellungen von Körpern zu sehen, von denen viele eine alternative Anatomie aufweisen. Durch Leckstellen erweitert, zeigen ihre Körpergrenzen oft eine Haltung, die an übermäßig gekrümmte oder gar gebrochene Hälse erinnert, während andere Körper oder zu einzelnen Organen werden. Und doch strahlen diese Körper in ihrer Gebrochenheit und Düsternis unweigerlich ein Gefühl von Ruhe und Behaglichkeit, ja fast Zuversicht aus, da sie eine ästhetische und ethische Haltung gegen die Aufrichtigkeit formulieren. Als Individuen dargestellt, entbehren sie jedoch einer individualistischen Haltung und scheinen sich zwischen einem singulären und einem kollektiven Körper zu positionieren.

Barkers früheste Arbeit in der Ausstellung ist John (2014). Ein öffentlicher Brunnen hält auf Zweigen ein Marmeladenglas, das in eine von Barkers Socken gewickelt ist, die mit einem Ausschnitt aus Rollie McKennas Fotoporträt des Künstlers und Illustrators John Minton (1917-1957) bedruckt sind. Minton, eine Schlüsselfigur der neoromantischen Bewegung der 1940er und frühen 1950er Jahre, fühlte sich durch den Aufstieg von Künstlern wie Francis Bacon und Lucian Freud (der einer seiner Liebhaber war) zunehmend an den Rand gedrängt. Minton, der für seine stolze Extravaganz in einer äußerst regressiven Epoche bekannt war und eine ebenso hypermagnetische wie selbstzerstörerische Persönlichkeit darstellte, beging im Alter von 39 Jahren Selbstmord - 20 Jahre vor Vaughan - und lebte und arbeitete in den späten 1940er und frühen 1950er Jahren mit ihm zusammen.

Auf der unteren Ebene hat Barker einen völlig neuen Ausstellungsraum geschaffen, einen korridorartigen White Cube. Dieser Raum ist einer Gruppe von Papierarbeiten gewidmet, die jeweils ein Wesen mit gebrochenem Genick zeigen, das auf dem Kopf landet. Während ihre Haltung einen Zustand der Erschöpfung, der Verletzlichkeit oder der Unterwerfung suggerieren könnte, wirken sie unausstehlich, fordern und genießen es sogar, angeschaut zu werden, und strahlen ein verkörpertes Wissen aus, als hätten sie kurz vor ihrem Sturz einen neuen Horizont erblickt.

Der letzte Teil der Ausstellung ist einer ortsspezifischen Installation gewidmet, die die jüngste Phase von Barkers kontinuierlicher fotografischer Untersuchung der Lüftungsgitter verschiedener Arten von mobilen Toiletten umfasst. Diese über Kopfhöhe angebrachten Lüftungsgitter sind „sozial“ konstruiert, um ein ausreichendes, wenn auch sicherlich nicht übermäßiges Maß an visueller und akustischer Privatsphäre zu bieten, und funktional, um eine olfaktorische Befreiung zu ermöglichen.

Diese komplizierten und unheimlichen Studien von Licht, Farbe und Textur ermöglichen die ästhetische Betrachtung eines allgegenwärtigen Details, das oft unbemerkt bleibt oder außerhalb unseres herkömmlichen Blickfeldes liegt. Gleichzeitig bringen sie zum Ausdruck, was nicht gesehen wird - oder nicht gesehen werden soll - und doch den Körper ausmacht, vone Molekülen und Gerüchen bis hin zu Infrastrukturen der Kontrolle und Überwachung. Die fotografischen Untersuchungen wurden im Dialog mit Barkers letztem Eingriff in den Raum konzipiert, der Öffnung der Kellerfenster, die das Belüftungssystem, die Temperatur und die Grenzen des Ortes verändert und zum ersten Mal einen ungehinderten Blick auf die Lebensgewohnheiten der Spinnen und Insekten ermöglicht.

Das Team von Between Bridges und der Künstler sind sehr dankbar für die großzügige Unterstützung durch Gerard Hastings sowie Hana Noorali und Lynton Talbot, London.

Kuratiert von Viktor Neumann.

Between Bridges ist Partner*in der Berlin Art Week. 

Herzliche Einladung auch zu einer Veranstaltung im Rahmen der Berlin Art Week:

On Homemaking
Sonntag, 15. September, 17 Uhr
Präsentation und Artist Talk mit Mark Barker und Gerard Hastings, Kunsthistoriker und Präsident der Keith Vaughan Society, moderiert von Kirsty Bell, Autorin und Kritikerin

Between Bridges 
Adalbertstraße 43, 10179 Berlin 
Mittwoch - Samstag, 12 - 18 Uhr 
Verlängerte Öffnungszeiten während der Berlin Art Week: 12. - 15. September, 11 - 19 Uhr